Lisístrata de Aristófanes: A Greve de Sexo que Parou uma Guerra

Lisístrata, de Aristófanes, encenada em 411 antes da era cristã, num momento particularmente sombrio da Guerra do Peloponeso, quando Atenas, já derrotada na Sicília, agonizava entre a teimosia de seus generais e a exaustão de seu povo, é não apenas a comédia mais célebre da antiguidade, mas também o primeiro grande manifesto teatral em favor da paz e da igualdade entre os sexos, uma obra que, sob a máscara do riso escancarado e da obscenidade festiva, esconde uma lucidez política e uma ousadia social que ainda hoje espantam e provocam.

Aristófanes, o grande comediógrafo da Atenas clássica, ousou imaginar um mundo em que as mulheres, tradicionalmente confinadas ao silêncio do gineceu, tomam a palavra, organizam-se, ocupam a Acrópole e, com a arma mais poderosa que possuem, o corpo e o desejo, forçam os homens a depor as armas e a negociar a paz. Esse enredo, que à primeira vista poderia parecer um simples chiste cômico, revela-se uma das mais profundas e radicais análises da estupidez da guerra e da hipocrisia patriarcal já concebidas, porque Lisístrata, a heroína que dá nome à peça, não é apenas uma personagem de ficção, mas um símbolo eterno de resistência feminina, de sabedoria popular e de coragem civil, e sua greve de sexo, que atravessa toda a trama, é uma metáfora extraordinária da interdependência humana, da insensatez da violência e da possibilidade de transformação social através da ação coletiva. É precisamente essa dimensão utópica e ao mesmo tempo profundamente realista de Lisístrata que faz dela uma obra inesgotável, capaz de dialogar com os pacifismos de todas as épocas, com as lutas feministas dos séculos XIX, XX e XXI, e com todos aqueles que, em qualquer tempo, se recusam a aceitar que a guerra seja inevitável e que o poder deva permanecer eternamente nas mãos dos homens.

A trama de Lisístrata desenrola-se em Atenas, diante da Acrópole, e começa com a protagonista convocando as mulheres de Atenas, Esparta, Beócia, Corinto e outras cidades gregas para uma assembleia secreta, onde propõe um plano audacioso: todas as mulheres gregas, independentemente de sua cidade ou facção, devem fazer uma greve de sexo, recusando-se a satisfazer seus maridos e amantes até que eles assinem a paz e ponham fim à guerra que há décadas devasta a Hélade. A proposta, recebida com horror e incredulidade pelas demais mulheres, é defendida por Lisístrata com uma eloquência irresistível, e sua argumentação, que mistura o senso comum mais elementar com uma retórica sofisticada, revela desde o início a inteligência estratégica da heroína, que sabe que os homens, por mais que se proclamem racionais e poderosos, são na verdade governados por seus instintos mais primários, e que a abstinência sexual, mais do que qualquer discurso filosófico ou qualquer exército, tem o poder de fazê-los ceder.

É nesse ponto que Aristófanes começa a construir sua crítica mais mordaz: a guerra, que os homens justificam com argumentos de honra, glória e interesse nacional, nada mais é do que uma extensão de sua virilidade descontrolada, um jogo de egos e de vaidades que sacrifica gerações inteiras no altar de uma masculinidade doentia. As mulheres, que sempre foram acusadas de irracionais e emocionais, são as únicas capazes de ver a realidade com clareza e de propor uma solução que, embora cômica nos meios, é profundamente sensata nos fins. A greve de sexo, portanto, não é apenas uma piada obscena, mas uma inversão simbólica de todos os valores que sustentam a pólis guerreira, porque ela coloca o desejo feminino como força de vida contra o desejo masculino de morte, e a solidariedade entre mulheres de cidades inimigas como a única forma de superar as fronteiras que os homens insistem em defender com sangue.

A ocupação da Acrópole pelas mulheres, que é o segundo grande movimento da peça, acrescenta à greve de sexo uma dimensão política e econômica que amplia ainda mais o alcance da crítica de Aristófanes. As mulheres não se limitam a fechar as pernas, elas também fecham os cofres, tomando o tesouro da cidade e impedindo que os homens financiem a guerra. Essa dupla estratégia, que combina o boicote sexual com a ocupação do espaço público e o controle dos recursos financeiros, revela uma compreensão sofisticada dos mecanismos do poder, porque a guerra, como qualquer empreendimento humano, depende não apenas da vontade dos generais, mas também do dinheiro e do consentimento das populações.

As mulheres, ao retirarem seu consentimento e ao bloquearem os recursos, desmontam a máquina de guerra por dentro, sem precisar pegar em armas, e essa lição de resistência não violenta, que antecipa em mais de dois mil anos as estratégias de Gandhi e de Martin Luther King, é um dos grandes legados políticos de Lisístrata, porque ela mostra que a verdadeira força não está na violência, mas na capacidade de organização, de solidariedade e de perseverança, e que as estruturas de poder mais aparentemente sólidas podem ruir quando aqueles que as sustentam deixam de cooperar.

A cena em que as mulheres resistem ao assédio dos homens que tentam retomar a Acrópole, utilizando baldes de água, vassouras e outros objetos domésticos como armas, é ao mesmo tempo hilariante e profundamente simbólica, porque ela subverte todos os estereótipos sobre a fragilidade feminina e mostra que as mulheres, quando unidas e determinadas, são capazes de enfrentar exércitos inteiros com os recursos que têm à mão. Tal subversão dos papéis de gênero, que atravessa toda a peça, é talvez a contribuição mais revolucionária de Aristófanes para a história das ideias, pois ele não apenas denuncia a guerra, mas também questiona a própria organização social que a torna possível, uma organização que exclui as mulheres da política, que as confina ao espaço doméstico e que define a masculinidade em termos de agressividade e dominação.

O coro, em Lisístrata, desempenha um papel duplo e fascinante, porque ele é dividido em dois semicoros, um de mulheres e outro de homens, que se enfrentam em cenas de uma comicidade irresistível, trocando insultos, ameaças e provocações que revelam, por trás do riso, a profunda misoginia da sociedade ateniense e a resistência obstinada das mulheres a se submeterem ao papel que lhes é imposto. Esses confrontos corais, que são intercalados por cantos líricos de grande beleza, funcionam como um espelho da própria cidade dividida, onde a guerra civil latente entre os sexos reproduz a guerra fratricida entre as cidades gregas, e Aristófanes, com sua genialidade habitual, sugere que a paz entre Atenas e Esparta só será possível quando os homens aprenderem a fazer as pazes com suas próprias mulheres, ou seja, quando reconhecerem que a alteridade não é uma ameaça, mas uma riqueza, e que a cooperação entre os sexos, assim como entre as cidades, é a única forma de garantir a sobrevivência da civilização.

Nesse ponto que a peça atinge sua dimensão mais profunda, porque ela não é apenas uma comédia sobre a guerra do Peloponeso, mas uma meditação sobre a natureza do poder, sobre a violência estrutural que atravessa todas as relações humanas, e sobre a possibilidade de construir uma sociedade mais justa e mais pacífica através do reconhecimento mútuo e da solidariedade entre os oprimidos. As mulheres de Lisístrata, que vêm de cidades inimigas e que, no entanto, se unem em torno de uma causa comum, são o modelo dessa nova política que Aristófanes vislumbra, uma política que não se baseia na força, mas no consentimento, não na competição, mas na cooperação, não na morte, mas na vida.

A figura de Lisístrata, em particular, merece uma atenção especial, porque ela é, sem dúvida, uma das personagens femininas mais complexas e fascinantes de toda a literatura antiga. Sua caracterização por Aristófanes revela uma sensibilidade e uma compreensão da psicologia feminina que talvez surpreendam em um autor do século V a.C., tão imerso numa cultura profundamente patriarcal. Lisístrata não é apenas uma líder carismática, mas uma estrategista brilhante, uma oradora persuasiva e uma mulher de princípios que não hesita em sacrificar seu próprio prazer pessoal em nome de um bem maior, e sua famosa cena de sedução, em que ela provoca seu marido Cínesias com promessas de amor e depois o abandona no leito para ir negociar a paz, é uma das passagens mais deliciosas e mais subversivas da peça, porque ela inverte completamente a dinâmica de poder entre os sexos, transformando o desejo masculino em instrumento de libertação feminina.

Tal inversão, que poderia ser apenas cômica, adquire uma dimensão quase trágica quando se considera o contexto histórico em que a peça foi escrita, um contexto em que as mulheres atenienses não tinham direitos políticos, não podiam votar, não podiam possuir propriedades e eram legalmente subordinadas aos homens. O fato de Aristófanes ter criado uma heroína tão poderosa e tão admirável, numa época em que as mulheres eram praticamente invisíveis na esfera pública, é um testemunho de sua coragem intelectual e de sua capacidade de imaginar alternativas radicais à ordem estabelecida.

Por isso Lisístrata continua a ser encenada e lida em todo o mundo. A peça é um ícone da luta das mulheres por igualdade e por reconhecimento, e sua greve de sexo, que já foi interpretada como uma simples piada, é hoje reconhecida como uma metáfora poderosa da resistência feminina e da possibilidade de transformação social através da ação coletiva e da solidariedade entre mulheres.

A recepção de Lisístrata ao longo dos séculos tem sido tão rica e tão variada quanto a própria peça. Cada época encontrou nela um espelho de suas próprias preocupações, porque se os atenienses do século V a.C. riram com a ideia de mulheres tomando o poder, os espectadores do século XX viram na peça uma antecipação das lutas sufragistas e feministas, e o público do século XXI encontrou nela uma reflexão sobre a persistência da guerra, a violência de gênero e a crise da democracia. Essa capacidade de dialogar com contextos tão diferentes é o que faz de Lisístrata uma obra-prima atemporal, porque ela não está presa às circunstâncias de sua criação, mas transcende-as para se tornar um mito moderno, um mito que fala da necessidade de paz, da dignidade das mulheres e da possibilidade de um mundo melhor.

É significativo que a peça tenha sido adaptada inúmeras vezes para o cinema, para a ópera, para o teatro musical e para a televisão, sempre com grande sucesso, pois sua premissa simples e poderosa, a greve de sexo como arma política, é imediatamente compreensível para qualquer público. Sua mensagem, embora apresentada com humor, é tão séria e tão urgente que continua a comover e a provocar reflexão em todas as gerações; e, no entanto, apesar de sua popularidade, Lisístrata não é uma peça fácil nem ingênua, porque ela contém momentos de uma amargura profunda, como a cena em que os homens, humilhados e desesperados, reconhecem sua impotência e sua estupidez, ou o momento em que as mulheres, cansadas da greve, começam a fraquejar e precisam ser reconquistadas por sua líder. Esses momentos revelam que Aristófanes não era um otimista ingênuo, mas um observador lúcido das fraquezas humanas, e que sua proposta de paz e de igualdade, embora apresentada como utopia, era também um desafio concreto aos seus concidadãos, um convite a repensar suas prioridades e a reconstruir a cidade sobre bases mais justas e mais humanas.

Ao concluir esta leitura de Lisístrata, percebe-se que Aristófanes, com sua comédia mais famosa, realizou algo extraordinário: ele transformou uma greve de sexo num manifesto político, uma brincadeira obscena numa meditação sobre a paz, e uma personagem feminina num símbolo universal de resistência, e o fez sem nunca perder o senso de humor, sem nunca sacrificar a comicidade em nome da mensagem, e sem nunca tratar seu público como incapaz de pensar. É precisamente esse equilíbrio entre o riso e a seriedade, entre a farsa e a filosofia, que faz de Lisístrata uma obra tão singular e tão duradoura, porque ela nos lembra que a comédia, quando praticada por um mestre como Aristófanes, não é apenas uma forma de entretenimento, mas uma ferramenta de transformação social, capaz de expor as contradições do poder, de ridicularizar a estupidez dos guerreiros e de imaginar, com uma ousadia que ainda hoje nos surpreende, um mundo onde as mulheres governam, os homens obedecem e a paz é finalmente possível.

Assim, ao rir das peripécias de Lisístrata e de suas companheiras, ao nos deleitarmos com os diálogos afiados e com as situações absurdas que a peça nos oferece, estamos também celebrando a liberdade de expressão, a igualdade entre os sexos e o direito de sonhar com um futuro diferente. Talvez seja esse o maior legado de Aristófanes: a certeza de que, enquanto houver teatro, enquanto houver riso, enquanto houver mulheres dispostas a se organizar e a lutar por seus direitos, a utopia de Lisístrata não será apenas uma comédia antiga, mas uma promessa viva e sempre renovada de que um mundo melhor é possível.

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A Verdade sobre Kronstadt, de Volia Rossii

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Des-Tino, de Jean P. A. G.

Eu Versos Eu, Jean Monti

(**) Notas sobre a ilustração:

Esta ilustração captura a força pacifista e a determinação cômica da peça "Lisístrata", encenada por Aristófanes em 411 a.C., no ápice do Teatro de Dionísio com a luz suave do sol ateniense.

Abaixo estão os detalhes que explicam os elementos da imagem:

• Lisístrata (Ao Centro): A protagonista ergue a mão com postura firme e olhar decidido no centro da orquestra. Vestindo um xale azul sobre sua túnica bordada, ela lidera o juramento solene das mulheres, simbolizando a liderança e a coragem de propor uma greve de sexo para forçar o fim da Guerra do Peloponeso.

• O Coro de Mulheres (União das Póleis): Ao redor de Lisístrata, o grupo de mulheres gregas — representando Atenas, Esparta e outras cidades-estado — ergue os braços em sinal de solidariedade e compromisso com a causa da paz. Elas vestem túnicas em tons terrosos, vermelhos e verdes, segurando rocas de fiar e bastões.

• A Skene e a Acrópole Ocupada (Ao Fundo): A estrutura do palco ao fundo exibe uma grande faixa em grego antigo com o título da obra (ΛΥΣΙΣΤΡΑΤΑ). Logo acima, no topo da colina, destaca-se o Partenon na Acrópole de Atenas, local estratégico que, na trama, é ocupado pelas mulheres mais velhas para dominar o tesouro público da cidade.

• A Plateia e os Homens Acompanhando: Nas arquibancadas de pedra curvadas, o público ateniense assiste à cena, enquanto cidadãos e soldados observam perplexos das laterais, sem saber como reagir ao levante feminino.

A cena expressa perfeitamente a essência da comédia: a utopia política, o empoderamento feminino satírico e o uso da fantasia cômica para defender a paz e a reconciliação entre as cidades gregas.

As Tesmoforiantes, de Aristófanes: comédia, mulheres e crítica social na Atenas antiga

As Tesmoforiantes, de Aristófanes, apresentada em Atenas em 411 a.C., é uma das comédias mais engenhosas e provocadoras da dramaturgia grega antiga. Escrita em um período de profunda instabilidade política e militar, a peça utiliza o riso, a paródia, a inversão de papéis e a metalinguagem para construir uma situação teatral em que mulheres atenienses se reúnem durante as festividades das Tesmofórias para discutir a influência de Eurípides sobre a imagem feminina. A partir dessa premissa, Aristófanes transforma o próprio teatro em objeto de humor e crítica, explorando as relações entre literatura, sexualidade, poder, reputação e representação social. Mais do que uma simples farsa sobre mulheres e homens, As Tesmoforiantes é uma obra que revela como a comédia podia funcionar como espaço privilegiado para questionar convenções, exagerar conflitos e expor as contradições de uma sociedade.

O título da peça está relacionado às Tesmofórias, uma importante celebração religiosa dedicada às deusas Deméter e Perséfone. A festividade era reservada às mulheres cidadãs e ocupava um lugar significativo na vida religiosa ateniense. Aristófanes parte justamente dessa dimensão de exclusividade feminina para criar uma situação cômica extraordinária: os homens, normalmente associados à participação pública, política e teatral, encontram-se afastados de um espaço no qual as mulheres podem deliberar entre si. A comédia explora, portanto, uma inversão temporária das posições sociais. As mulheres, reunidas em assembleia, passam a exercer uma autoridade que normalmente não lhes era atribuída na esfera política formal. O resultado é uma caricatura simultaneamente divertida e reveladora das estruturas de poder da Atenas clássica.

Em As Tesmoforiantes, Aristófanes apresenta uma sociedade dentro da sociedade. O espaço das Tesmofórias torna-se uma espécie de território autônomo feminino, no qual as mulheres discutem problemas que dizem respeito diretamente às suas vidas e à maneira como são representadas pelos homens. Essa construção permite ao poeta brincar com a ideia de uma comunidade feminina organizada, capaz de tomar decisões e impor sanções. Embora a peça não possa ser interpretada simplesmente como uma defesa moderna da emancipação das mulheres, ela concede às personagens femininas uma presença cênica extraordinariamente forte. Elas falam, discutem, argumentam, acusam, planejam e agem. A comicidade nasce, em grande medida, do choque entre esse protagonismo e as expectativas tradicionais sobre o comportamento feminino.

A trama está ligada sobretudo à figura de Eurípides, um dos grandes tragediógrafos atenienses. Aristófanes já havia transformado Eurípides em alvo de suas piadas em outras comédias, mas em As Tesmoforiantes a relação entre os dois dramaturgos assume uma dimensão especialmente teatral. As mulheres acusam Eurípides de ter exposto seus defeitos e comportamentos secretos em suas tragédias. Na lógica cômica da peça, a representação literária produz consequências concretas: ao mostrar mulheres capazes de adultério, astúcia, paixão, desejo e transgressão, Eurípides teria colocado em risco a reputação de todo o sexo feminino.

Essa premissa é particularmente interessante porque Aristófanes utiliza o argumento contra Eurípides para explorar a própria natureza da representação artística. A questão não é simplesmente saber se as mulheres são realmente como aparecem nas tragédias. O problema é saber o que acontece quando uma sociedade passa a enxergar determinados grupos através das imagens produzidas pela literatura. A peça brinca com a possibilidade de que uma representação artística possa modificar comportamentos, provocar desconfiança e destruir reputações. O teatro aparece, assim, como uma força social capaz de interferir na maneira como as pessoas percebem umas às outras.

A crítica de Aristófanes é ainda mais complexa porque ele próprio participa desse processo de representação. Ao fazer das mulheres personagens cômicas, o poeta também está criando imagens sobre o feminino. Existe, portanto, uma espécie de jogo de espelhos: as personagens acusam Eurípides de representar as mulheres de determinada maneira, enquanto Aristófanes representa essas mesmas mulheres de maneira igualmente exagerada e caricatural. A comédia produz uma situação na qual o próprio autor parece entrar na discussão que coloca na boca de suas personagens. A pergunta sobre quem tem o direito de representar quem permanece aberta, mesmo quando o público ri das situações absurdas.

Um dos elementos mais marcantes da peça é justamente a metalinguagem. Aristófanes não trata o teatro apenas como instrumento para contar uma história; ele faz do teatro o próprio assunto da história. Eurípides aparece como dramaturgo, suas peças são lembradas e parodiadas, seus personagens e procedimentos trágicos são transformados em matéria cômica. O público ateniense, familiarizado com as convenções da tragédia, podia reconhecer referências, estilos e situações conhecidas. A graça dependia, em grande parte, da capacidade de perceber a distância entre o tom solene da tragédia e a irreverência da comédia.

Essa relação entre tragédia e comédia é fundamental para compreender As Tesmoforiantes. Aristófanes não apenas ridiculariza Eurípides; ele demonstra profundo conhecimento de sua dramaturgia. Para fazer uma boa paródia, é necessário conhecer suficientemente bem o objeto parodiado. A peça funciona, portanto, como uma espécie de diálogo entre gêneros teatrais. A tragédia representa o mundo dos grandes conflitos, dos destinos terríveis, dos heróis e das decisões extremas; a comédia pega esses elementos e os desloca para situações grotescas, corporais e cotidianas. O resultado é uma desmontagem humorística das convenções trágicas.

A figura de Mnesíloco, parente de Eurípides, é essencial para o desenvolvimento dessa situação. Temendo que as mulheres possam condená-lo, Eurípides procura alguém que se infiltre na reunião das Tesmofórias para defender sua causa. Mnesíloco acaba sendo colocado em uma situação que exige disfarce e transformação. A comicidade surge da inadequação entre o personagem e o papel que precisa desempenhar. O homem deve apresentar-se como mulher, participar de uma reunião feminina e tentar descobrir o que está sendo planejado contra Eurípides.

O disfarce é muito mais do que um recurso cômico. Ele permite que Aristófanes explore uma questão central da peça: a identidade pode ser construída por meio de roupas, gestos, linguagem e comportamento? Ao transformar Mnesíloco em uma espécie de personagem feminino, a comédia coloca em evidência o caráter performativo das identidades sociais. Naturalmente, a peça não formula essa questão nos termos da teoria contemporânea, mas o mecanismo dramático é extremamente fértil: aquilo que parece uma identidade estável pode ser temporariamente representado, imitado ou falsificado.

O próprio teatro antigo dependia de máscaras, figurinos e convenções cênicas para construir personagens. Em As Tesmoforiantes, esse princípio é levado ao extremo. Um homem interpreta uma mulher que, por sua vez, participa de uma representação teatral diante de outras personagens. Há, portanto, vários níveis de representação sobrepostos. O público assiste a um homem desempenhando o papel de uma mulher dentro de uma peça que discute justamente a maneira como as mulheres são representadas pelos dramaturgos. Essa estrutura produz uma extraordinária cadeia de reflexos, na qual a identidade deixa de parecer algo simples e passa a funcionar como uma espécie de jogo teatral.

O humor físico também possui importância decisiva. A comédia de Aristófanes não se limita ao diálogo inteligente ou à crítica literária. Ela trabalha com o corpo, com a sexualidade, com o ridículo, com a aparência e com situações que provocam constrangimento. A transformação de Mnesíloco é particularmente adequada a esse tipo de humor. O corpo masculino colocado em uma situação feminina torna-se objeto de exploração cômica, assim como os códigos de vestimenta e os comportamentos associados aos diferentes sexos.

Essa dimensão corporal aproxima As Tesmoforiantes de uma característica essencial da comédia antiga: a disposição para quebrar a solenidade. Aquilo que poderia ser tratado de maneira elevada é reduzido ao cotidiano e ao grotesco. O corpo, o desejo e a sexualidade entram em cena sem a contenção típica dos discursos mais respeitáveis. Essa liberdade não deve ser confundida com ausência de significado. Pelo contrário, o exagero corporal permite à comédia revelar aquilo que as convenções sociais procuram esconder.

As mulheres da peça também são apresentadas como pessoas que possuem desejos, conflitos, ressentimentos e estratégias próprias. A caricatura não elimina completamente sua dimensão humana. Pelo contrário, o fato de elas se sentirem ameaçadas pela maneira como os dramaturgos falam sobre elas cria uma situação em que a questão da reputação feminina adquire grande importância. A acusação contra Eurípides parte de uma preocupação concreta: se as tragédias apresentam as mulheres como adúlteras, sedutoras ou manipuladoras, os homens poderiam passar a desconfiar de suas próprias esposas.

Nesse aspecto, Aristófanes explora uma tensão entre experiência social e representação literária. A literatura pode reproduzir preconceitos, mas também pode produzir novas percepções. A peça exagera deliberadamente essa relação, transformando a representação teatral em uma espécie de ameaça capaz de alterar as relações domésticas. A comicidade nasce do exagero, mas o problema subjacente é sério: até que ponto uma sociedade é influenciada pelas histórias que conta sobre si mesma?

A escolha de Eurípides como alvo também não é casual. Entre os grandes tragediógrafos atenienses, ele se tornou especialmente conhecido por apresentar personagens femininas complexas e por colocar em cena conflitos relacionados ao desejo, ao casamento, à família e às limitações impostas pela sociedade. Personagens femininas de suas tragédias frequentemente ocupam posições dramáticas centrais e podem demonstrar inteligência, paixão, sofrimento e capacidade de ação. Para Aristófanes, isso oferece uma oportunidade perfeita para construir uma caricatura em que as mulheres se revoltam contra o dramaturgo que, supostamente, revelou seus segredos.

Mas a relação entre Aristófanes e Eurípides não é simplesmente de rejeição. A paródia pressupõe reconhecimento e, muitas vezes, admiração técnica. Aristófanes demonstra conhecer os recursos de Eurípides e utiliza esse conhecimento para desmontá-los. A rivalidade literária é também uma forma de diálogo. O comediógrafo precisa do tragediógrafo como matéria-prima de sua própria arte. A peça torna-se, assim, uma reflexão humorística sobre a coexistência dos gêneros teatrais na cultura ateniense.

O momento histórico da apresentação torna essa discussão ainda mais interessante. As Tesmoforiantes foi representada em 411 a.C., durante uma fase extremamente turbulenta da Guerra do Peloponeso. Atenas atravessava uma profunda crise política, militar e institucional. A cidade enfrentava dificuldades decorrentes de anos de guerra e experimentava mudanças importantes em seu sistema político. Pouco antes da representação, o regime democrático ateniense havia sido abalado pelo golpe oligárquico dos Quatrocentos. Nesse ambiente de instabilidade, a comédia podia oferecer ao público um espaço para rir das tensões sociais e, ao mesmo tempo, refletir sobre as formas de autoridade.

Apesar disso, As Tesmoforiantes não deve ser reduzida a uma alegoria política direta. Diferentemente de outras comédias de Aristófanes, a peça não coloca a política institucional no centro da narrativa da mesma maneira. Seu foco está na relação entre homens e mulheres, na literatura e no teatro. Ainda assim, seria difícil separar completamente a obra do ambiente em que foi produzida. Uma sociedade em crise torna especialmente significativa uma peça que brinca com inversões de autoridade e com a possibilidade de grupos tradicionalmente excluídos da esfera pública assumirem temporariamente o controle de uma situação.

A assembleia feminina das Tesmofórias pode ser compreendida como uma espécie de paródia da própria vida política ateniense. As mulheres deliberam, apresentam acusações, discutem estratégias e decidem o que fazer com um inimigo. Em uma sociedade na qual a cidadania política formal era predominantemente masculina, a representação de uma assembleia feminina possui evidente potencial cômico. O público masculino podia rir da inversão porque conhecia perfeitamente a diferença entre a realidade institucional e a situação apresentada no palco.

Entretanto, essa inversão produz uma ambiguidade interessante. Ao mesmo tempo que as mulheres são ridicularizadas segundo estereótipos tradicionais, elas também são retratadas como uma coletividade capaz de organização e ação. A comédia antiga frequentemente depende dessa ambivalência. Ela exagera os preconceitos existentes para produzir humor, mas, ao fazê-lo, pode também mostrar as contradições desses mesmos preconceitos. O riso nem sempre oferece uma conclusão simples sobre aquilo que está sendo ridicularizado.

A relação entre mulheres e espaço público é, portanto, um dos aspectos mais fascinantes de As Tesmoforiantes. As mulheres da peça ocupam temporariamente uma posição de autoridade, mas essa autoridade surge dentro de um contexto religioso específico. As Tesmofórias eram uma instituição real da vida ateniense, e sua existência demonstra que a exclusão feminina da política formal não significava ausência completa das mulheres na vida coletiva da cidade. A religião oferecia espaços próprios de participação e organização, ainda que submetidos a regras diferentes das instituições políticas masculinas.

Aristófanes transforma esse espaço religioso em cenário de uma fantasia cômica. O que poderia ser uma celebração ritual passa a funcionar como uma assembleia de conspiração. As mulheres parecem controlar a situação, enquanto os homens precisam recorrer ao disfarce, à astúcia e à intervenção teatral para recuperar algum domínio. Essa inversão é uma das fontes fundamentais do humor da peça.

Outro elemento importante é a presença constante da linguagem. Aristófanes explora diferentes registros de fala, estilos e modos de expressão. A tragédia possui uma linguagem elevada e solene; a comédia pode recorrer ao coloquial, ao vulgar e ao obsceno. Quando os estilos são misturados, surge o efeito paródico. O espectador reconhece a linguagem trágica, mas encontra-a deslocada para situações nas quais sua solenidade se torna ridícula.

A peça é particularmente rica nesse jogo porque seus personagens vivem em um universo em que teatro e realidade parecem constantemente atravessar-se. Eurípides tenta solucionar um problema real por meio de estratégias retiradas do repertório teatral. Mnesíloco precisa interpretar um papel. A própria tentativa de convencer as mulheres depende da manipulação de discursos e identidades. A representação deixa de ser apenas uma atividade artística e torna-se instrumento de sobrevivência.

Esse aspecto permite interpretar As Tesmoforiantes como uma comédia sobre o poder da ficção. Quando as personagens tentam escapar de uma situação perigosa, recorrem a histórias, disfarces e encenações. A ficção pode enganar, mas também pode denunciar. Pode esconder uma identidade e, simultaneamente, revelar desejos e conflitos que seriam difíceis de expressar diretamente. O palco torna-se um laboratório no qual as convenções sociais podem ser temporariamente suspensas.

A presença de Eurípides reforça essa ideia. O dramaturgo é simultaneamente personagem e objeto de discussão. Suas obras existem dentro do mundo da peça como instrumentos capazes de influenciar o comportamento das pessoas. Aristófanes cria, assim, uma representação de outro autor e faz essa representação disputar espaço com as próprias obras do autor representado. A comédia torna-se uma crítica literária dramatizada.

Essa característica contribui para a importância histórica de As Tesmoforiantes. A peça não é apenas uma fonte para conhecer o humor ateniense, mas também um testemunho da intensa cultura teatral da cidade. Os atenienses acompanhavam tragédias e comédias em festivais, reconheciam autores, personagens, estilos e convenções. O público possuía uma memória teatral suficientemente desenvolvida para compreender paródias complexas. A existência dessa peça demonstra como o teatro ocupava uma posição central na vida cultural ateniense.

A comédia também permite perceber como a literatura dialogava com outras dimensões da sociedade. Questões de casamento, sexualidade, honra, reputação e autoridade aparecem entrelaçadas com a produção artística. Não existe uma separação rígida entre cultura e vida cotidiana. O que os poetas escrevem pode ser discutido dentro da própria comédia como se tivesse consequências para a vida social. O palco é apresentado como parte integrante da comunidade.

O tratamento da sexualidade é outro elemento que chama atenção. Aristófanes não hesita em explorar alusões sexuais, situações de desejo e piadas relacionadas ao corpo. Para o leitor moderno, algumas passagens podem parecer grosseiras ou excessivamente explícitas, mas é preciso compreender que o humor sexual era uma característica importante da comédia antiga. O objetivo não era construir uma representação psicológica realista, mas provocar riso por meio da quebra de tabus, do exagero e da inversão.

Essa liberdade cômica também permite que a peça questione a imagem idealizada da mulher. As personagens não aparecem simplesmente como esposas submissas ou figuras domésticas. Elas possuem interesses próprios e demonstram consciência da maneira como são observadas pelos homens. Ao mesmo tempo, Aristófanes não abandona os estereótipos de seu tempo. A riqueza da peça está justamente nessa combinação contraditória entre autonomia cênica e caricatura.

É importante evitar, por isso, uma leitura que transforme As Tesmoforiantes em uma obra feminista no sentido contemporâneo do termo. A sociedade ateniense era profundamente diferente das sociedades modernas, e as categorias atuais de gênero, cidadania e igualdade não podem ser aplicadas diretamente à peça. No entanto, também seria inadequado ignorar a força das personagens femininas. A comédia oferece um espaço em que mulheres podem falar coletivamente sobre sua reputação, formular acusações e controlar temporariamente o destino de um homem.

A melhor leitura talvez esteja na tensão entre essas duas dimensões. Aristófanes utiliza convenções de seu tempo, inclusive estereótipos sobre mulheres, mas simultaneamente cria uma situação em que essas mulheres dominam a ação. O resultado não é uma defesa sistemática da igualdade entre os sexos, mas uma exploração cômica das relações de poder. O espectador é levado a rir de uma ordem social momentaneamente invertida e, justamente por isso, pode perceber com maior clareza a existência dessa ordem.

As Tesmoforiantes também se destaca pela maneira como transforma a própria condição humana em espetáculo. Os personagens estão constantemente tentando parecer aquilo que não são. A aparência precisa ser cuidadosamente construída, os discursos precisam convencer e as identidades precisam ser sustentadas diante dos outros. Em uma peça marcada por disfarces, a verdade nunca aparece de maneira completamente simples. A pessoa pode ser reconhecida pelo corpo, pela voz, pela linguagem ou pelas ações, mas também pode enganar os demais por algum tempo.

Esse jogo entre verdade e aparência possui uma dimensão profundamente teatral. Afinal, todo ator apresenta uma identidade que não é a sua. A máscara e o figurino permitem que o intérprete seja outra pessoa diante do público. Aristófanes transforma esse princípio em mecanismo central da comédia. O espectador sabe que está diante de uma encenação, mas dentro da história as personagens tentam convencer umas às outras de que aquilo que veem é verdadeiro.

A comédia também brinca com a relação entre autor e personagem. Eurípides, como dramaturgo, tenta manipular acontecimentos por meio de recursos dramáticos. Ele parece assumir uma posição semelhante à de um autor que procura controlar o destino de seus personagens. Mas a situação foge progressivamente ao seu controle. A realidade cômica mostra que nenhum dramaturgo possui domínio absoluto sobre o universo que cria.

Essa dimensão metateatral é uma das razões pelas quais As Tesmoforiantes continua sendo interessante para leitores modernos. A peça fala sobre um mundo antigo, mas questiona mecanismos que continuam presentes na cultura: quem representa quem, como as obras literárias moldam reputações, como as identidades são construídas e de que maneira o público interpreta aquilo que vê. O contexto histórico mudou radicalmente, mas o problema da representação permanece atual.

O humor de Aristófanes nasce muitas vezes daquilo que poderíamos chamar de excesso. Tudo é levado além dos limites normais: a indignação das mulheres, o medo de Eurípides, o disfarce de Mnesíloco, a paródia da tragédia, a exploração do corpo e a própria confusão entre realidade e representação. A lógica cômica não procura equilíbrio; ela procura exagerar até que as contradições se tornem visíveis.

Essa técnica é característica da comédia antiga e ajuda a explicar sua força. O exagero permite transformar problemas abstratos em situações concretas. A discussão sobre a reputação feminina torna-se uma assembleia conspiratória. A crítica à dramaturgia de Eurípides transforma-se em perseguição ao próprio dramaturgo. A questão da identidade converte-se em um homem obrigado a apresentar-se como mulher. A relação entre tragédia e comédia transforma-se em uma sucessão de paródias.

O leitor que se aproxima de As Tesmoforiantes deve, portanto, estar preparado para uma obra muito diferente do conceito moderno de comédia. Não se trata simplesmente de uma narrativa leve destinada ao entretenimento. A peça combina sátira, crítica literária, humor sexual, paródia, política indireta, religião e reflexão sobre o próprio teatro. Seu objetivo é fazer rir, mas o riso está ligado à percepção das contradições da sociedade.

Aristófanes demonstra uma capacidade extraordinária de transformar acontecimentos culturais de seu tempo em matéria dramática. Eurípides era uma figura conhecida do público, e suas tragédias faziam parte do repertório cultural dos atenienses. Ao colocá-lo no centro de uma comédia, Aristófanes cria uma espécie de disputa pública entre diferentes concepções de teatro. A tragédia é submetida ao olhar irreverente da comédia, e a própria atividade dos poetas torna-se motivo de debate.

O confronto entre os gêneros pode ser visto também como confronto entre diferentes formas de compreender a realidade. A tragédia tende a explorar sofrimento, destino, culpa e conflito em uma escala elevada. A comédia reduz essas mesmas questões ao absurdo e ao cotidiano. Em As Tesmoforiantes, Aristófanes demonstra que até mesmo os assuntos mais sérios podem ser desmontados pelo riso. Isso não significa necessariamente que deixem de ser importantes; significa que podem ser observados por outro ângulo.

A peça possui ainda grande valor para o estudo da cultura feminina na Atenas clássica, embora seja necessário utilizá-la com cautela como fonte histórica. Não podemos tomar literalmente as falas das personagens como descrição objetiva da vida das mulheres. Elas são personagens construídas para produzir efeitos cômicos. Entretanto, a própria necessidade de criar uma situação em que as mulheres discutem sua reputação, seus casamentos e suas relações com os homens revela preocupações reconhecíveis no imaginário social ateniense.

O interesse histórico de As Tesmoforiantes está justamente nessa mistura de realidade e fantasia. A peça não é um documento sociológico, mas é um documento cultural. Ela mostra quais temas podiam provocar riso, quais relações sociais podiam ser invertidas no palco e quais figuras públicas eram suficientemente conhecidas para se tornarem personagens de uma comédia. O exagero não diminui seu valor histórico; ao contrário, ajuda a revelar as tensões que alimentavam o imaginário coletivo.

A religião também não deve ser esquecida. As Tesmofórias eram uma celebração real e importante, e Aristófanes escolhe esse contexto como fundamento da trama. A utilização de um festival religioso para uma comédia evidencia a proximidade entre ritual, comunidade e espetáculo na Atenas antiga. O teatro não estava separado da vida religiosa da cidade; fazia parte de um calendário coletivo de festividades e competições.

Nesse ambiente, o público podia reconhecer tanto as instituições da cidade quanto os autores e acontecimentos culturais de seu tempo. Aristófanes explorava essa familiaridade para produzir uma espécie de cumplicidade com os espectadores. Muitas piadas dependiam do conhecimento compartilhado. O riso surgia não apenas da situação representada, mas também do reconhecimento de referências que pertenciam à experiência cultural dos atenienses.

Para o leitor contemporâneo, parte desse contexto pode exigir explicação. Ainda assim, a estrutura fundamental da peça permanece compreensível porque seus mecanismos dramáticos são universais. O disfarce, a tentativa de enganar, o medo de ser descoberto, a rivalidade entre artistas, o conflito entre aparência e realidade e a inversão de papéis continuam sendo fontes poderosas de comicidade.

A importância de As Tesmoforiantes não está apenas na história que conta, mas na forma como conta essa história. Aristófanes demonstra domínio da estrutura dramática, do diálogo rápido, da paródia e da construção de situações absurdas. A peça é simultaneamente uma comédia sobre mulheres, uma sátira de Eurípides e uma reflexão sobre o próprio ato de representar. Essa multiplicidade impede que a obra seja reduzida a uma única interpretação.

No centro de tudo está o poder do teatro. As personagens temem aquilo que os dramaturgos dizem sobre elas; os dramaturgos recorrem ao teatro para resolver seus problemas; os homens precisam representar papéis; as mulheres discutem as representações produzidas sobre seu comportamento. A peça inteira parece perguntar, de maneira cômica, até onde uma representação pode interferir na realidade. A resposta permanece ambígua porque o próprio espetáculo demonstra que representar é uma forma de agir sobre o mundo.

Essa ambiguidade talvez seja uma das maiores virtudes da obra. Aristófanes não oferece uma teoria sistemática da sociedade nem uma conclusão filosófica sobre os papéis de homens e mulheres. Ele constrói uma máquina cômica na qual diferentes perspectivas entram em choque. O espectador precisa acompanhar as inversões, reconhecer as paródias e decidir o que fazer com as contradições apresentadas.

Ao final, As Tesmoforiantes permanece como uma das grandes demonstrações da vitalidade da comédia antiga. Aristófanes consegue transformar uma festividade religiosa, uma rivalidade literária e uma discussão sobre a representação das mulheres em uma trama de disfarces, perseguições e paródias. A peça diverte porque é irreverente, mas também permanece intelectualmente estimulante porque questiona, mesmo sem formular explicitamente essas perguntas, a relação entre identidade, aparência, literatura e poder.

Ler As Tesmoforiantes hoje significa entrar em contato com uma sociedade distante no tempo, mas também reconhecer mecanismos culturais que continuam presentes. Ainda discutimos a maneira como escritores representam grupos sociais, ainda debatemos a influência da literatura e do teatro sobre os costumes, ainda utilizamos humor e paródia para contestar autoridades e ainda construímos identidades por meio de gestos, roupas, discursos e papéis sociais. A distância histórica não elimina essas aproximações; torna-as ainda mais interessantes.

Por isso, As Tesmoforiantes, de Aristófanes, merece ser lida não apenas como uma comédia sobre mulheres ou como uma sátira contra Eurípides, mas como uma obra sobre o próprio funcionamento da representação. Seu humor nasce do choque entre aquilo que as pessoas são, aquilo que parecem ser e aquilo que os outros dizem que elas são. O teatro torna-se o lugar onde essas diferenças podem ser exageradas até o absurdo. E justamente nesse absurdo a comédia revela algo profundamente sério: nenhuma sociedade controla completamente as imagens que produz sobre si mesma.

As Tesmoforiantes continua, assim, como uma obra fundamental para compreender a inteligência satírica de Aristófanes e a extraordinária riqueza do teatro ateniense. Ao misturar religião, gênero, sexualidade, literatura, identidade e paródia, a peça transforma o palco em um espaço de inversão no qual as hierarquias podem ser temporariamente embaralhadas. O riso funciona como instrumento de desordem, e a desordem permite enxergar aquilo que a ordem cotidiana costuma esconder. É precisamente essa capacidade de divertir e provocar reflexão ao mesmo tempo que faz de As Tesmoforiantes uma obra clássica, capaz de atravessar séculos sem perder sua força de provocação.

(*) Notas sobre a ilustração:

Esta ilustração capta a energia cômica e o clímax da peça "As Tesmoforiantes" (A Festa das Mulheres), encenada por Aristófanes em 411 a.C. no Teatro de Dionísio, sob a luz do entardecer ateniense.

Abaixo estão os detalhes que explicam os elementos da imagem:

• O Infiltrado Descoberto (Ao Centro): Mnesíloco, o parente do dramaturgo Eurípides, está no centro da orquestra cercado e agarrado pelas mulheres. Ele veste roupas femininas improvisadas e trapos por cima de sua túnica masculina, com a barba aparente, marcando o momento em que seu disfarce é grosseiramente desmascarado durante o festival religioso.

• O Coro de Mulheres (As Tesmoforiantes): Crivando o centro da cena, o coro de atenienses reunidas no festival das Tesmofórias expressa fúria, indignação e gestos dramáticos ao capturarem o intruso. Algumas seguram tochas, cordas e ramos sagrados para conter o homem que ousou espionar seu ritual secreto exclusivo para mulheres.

• O Cenário Ritual e a Skene (Ao Fundo): A estrutura de madeira ao fundo traz a inscrição ΘΕΣΜΟΦΟΡΙΑ (Tesmofórias), representando o templo dedicado às deusas Deméter e Perséfone. Faixas com o nome do dramaturgo (ΑΡΙΣΤΟΦΑΝΗΣ) e guirlandas festivas decoram o espaço sagrado.

• A Acrópole e o Público: O anfiteatro de pedra curva-se ao redor da cena com a plateia atenta ao espetáculo, enquanto o majestoso complexo da Acrópole e o Partenon erguem-se no topo da colina sob o céu dourado.

A cena traduz o humor afiado de Aristófanes ao satirizar tanto a misoginia quanto as convenções sociais de Atenas, parodiando os clichês da tragédia através de uma invasão cômica do universo feminino.

Os Acarnenses de Aristófanes e a Busca pela Paz Individual

A obra teatral intitulada Os Acarnenses de Aristófanes representa a mais antiga comédia preservada do teatro ocidental e uma das mais contundentes declarações pacifistas da Antiguidade Clássica. Encenada em 425 a.C. durante o sexto ano da devastadora Guerra do Peloponeso, a peça traz à tona o descontentamento dos camponeses atenienses que foram forçados a abandonar suas terras devastadas para se refugiarem dentro das muralhas da cidade. O protagonista é o obstinado agricultor Diceópolis, cujo nome significa literalmente cidadão justo, um homem profundamente exausto da ineficiência da assembleia ateniense, dos discursos demagógicos dos líderes políticos e do prolongamento interminável do conflito armado. Percebendo que os governantes não possuem nenhum interesse real em firmar uma trégua com Esparta, o camponês toma uma atitude extraordinária e decide negociar uma paz privada e exclusiva para si e sua família.

O desenvolvimento da narrativa ganha uma dinâmica cômica e vibrante quando o protagonista consegue enviar um emissário a Esparta para comprar trinta anos de trégua pessoal, simbolizada por um odre de vinho de excelente qualidade. No entanto, sua decisão de celebrar o fim das hostilidades desperta a fúria do coro, constituído por velhos carvoeiros da região de Acarnas. Esse grupo, traumatizado pela destruição de suas vinhas durante as invasões inimigas, personifica o espírito belicista e o desejo cego de vingança. Para não ser apedrejado pelos camponeses enfurecidos, Diceópolis recorre à astúcia e visita o tragiógrafo Eurípides para pedir emprestados os trajes rasgados de um de seus heróis mais miseráveis, usando esse disfarce teatral comovente para defender sua causa de paz diante do coro irado.

Com uma oratória refinada e cheia de humor ácido, o protagonista consegue demonstrar que a guerra serve apenas aos interesses de generais ambiciosos e mercadores corruptos, enquanto a população humilde arca com todo o prejuízo e sofrimento. A partir desse momento, a residência de Diceópolis transforma-se em um mercado livre e próspero, onde o comércio internacional é restaurado de forma utópica. Comerciantes de províncias vizinhas e até mesmo de cidades inimigas surgem para trocar iguarias raras por produtos locais, criando situações absurdas, como um camponês de Mégara que tenta vender suas próprias filhas famintas disfarçadas de porquinhos em um saco para conseguir suprimentos básicos para a sobrevivência.

O desfecho da comédia constrói um contraste satírico memorável entre os frutos da paz e os horrores do conflito armado. Enquanto o general belicista Lámaco é convocado para marchar na neve contra tropas inimigas e retorna ferido, mancando e lamentando suas dores, o astuto camponês prepara um banquete suntuoso cercado de vinho, comida farta e cortesãs festivas. A obra encerra-se com o triunfo do indivíduo que preferiu o bom senso à loucura coletiva da guerra, consagrando a maestria com que a Comédia Antiga utilizava a fantasia absurda e a liberdade de expressão como ferramentas definitivas de crítica política e social.

A dimensão metateatral constitui um dos aspectos mais fascinantes dessa dramaturgia, revelando a maestria com que o autor expõe as engrenagens da própria criação artística. Ao fazer com que o protagonista visite Eurípides para solicitar os trajes do herói Telefo, a narrativa estabelece uma paródia afiada da tragédia grega contemporânea, zombando do sentimentalismo e da tendência do tragiógrafo em humanizar reis em trapos. Esse recurso de "teatro dentro do teatro" não apenas arranca risos da plateia pela caricatura do célebre colega de profissão, mas também demonstra como a comédia pode apropriar-se de formas dramáticas tidas como mais elevadas para validar sua própria mensagem política perante a pólis.

A representação da alteridade e dos estereótipos regionais também ganha enorme relevância ao longo da encenação através das trocas comerciais no mercado privado. A presença do negociante megarense e do comprador beócio traz à tona a diversidade de dialetos, costumes e carências econômicas que marcavam o mundo grego durante o conflito. Ao satirizar com leveza a miséria trazida pelo bloqueio econômico aos cidadãos de Mégara e o pragmatismo dos habitantes da Beócia, a peça humaniza os ditos inimigos de Atenas, lembrando ao público das arquibancadas que a população civil das cidades rivais sofria privações semelhantes e desejava igualmente o reestabelecimento da normalidade e da fartura.

Por fim, o impacto histórico e a ousadia da obra tornam-se ainda mais evidentes quando se considera o contexto de sua apresentação em plena guerra ativa. Produzir uma crítica tão severa à política belicista da cidade em um evento oficial financiado pelo próprio estado exigia uma coragem intelectual extraordinária. A peça não apenas desafiava a hegemonia dos líderes democráticos radicais, mas também reafirmava a liberdade de expressão (parresia) como o valor mais sagrado da democracia ateniense. O sucesso da obra comprovou que o riso satírico possuía uma função terapêutica e pedagógica indispensável, capaz de fazer a sociedade refletir sobre seus próprios erros no momento mais dramático de sua história.

(*) Notas sobre a ilustração:

Esta ilustração retrata de forma viva a atmosfera festiva e utópica de "Os Acarnenses", de Aristófanes, no palco de um teatro grego clássico com a Acrópole de Atenas ao fundo.

Abaixo estão os detalhes que explicam a cena:

• Diceópolis (Ao Centro): De pé sobre barris de vinho no centro da orquestra, o astuto camponês ergue um chifre de beber e uma jarra de vinho, celebrando sua paz privada. Sua postura triunfante simboliza a conquista da trégua de trinta anos com Esparta.

• O Mercado Privado (À Direita): Ao lado do protagonista, monta-se uma feira improvisada e abundante com um cartaz em grego antigo (ΔΙΚΑΙΟΠΟΛΙΣ ΙΔΙΩΤΙΚΗ ΕΙΡΗΝΗ — A Paz Privada de Diceópolis). Vêm-se mercadores vendendo peixes, vegetais e a cena cômica da garotinha dentro de um saco de linho, aludindo ao camponês de Mégara que tentou vender as filhas disfarçadas de porquinhos.

• O Coro de Acarnenses (À Esquerda): Velhos camponeses de túnicas escuras representam os carvoeiros de Acarnas. Inicialmente furiosos e belicistas, eles aparecem segurando ramos de oliveira e observando os frutos da paz trazidos por Diceópolis.

• Cenário e Plateia: A estrutura de madeira ao fundo (skene) funciona como a fachada da casa do camponês. As arquibancadas de pedra do anfiteatro estão cheias de espectadores atenienses acompanhando a performance ao pôr do sol.

A imagem sintetiza a mensagem pacifista de Aristófanes: a substituição dos privilégios e privações da guerra pela fartura, pelo comércio livre e pela alegria da convivência comunitária.