Helena de Eurípides e a Ilusão do Fantasma de Tróia

A obra dramática intitulada Helena de Eurípides destaca-se de forma extraordinária no conjunto da dramaturgia grega antiga por sua abordagem inovadora, poética e quase romanesca de um dos mitos mais célebres do Ocidente. Encenada pela primeira vez no ano 412 a.C., a peça surpreendeu o público ateniense ao desconstruir radicalmente a imagem tradicional da mulher apontada como a causa da devastadora Guerra de Tróia. Em vez de apresentar a heroína como uma adúltera infiel que abandonou o lar para fugir com Páris, a narrativa fundamenta-se na lenda de que a verdadeira rainha de Esparta jamais esteve na Ásia Menor, tendo sido transportada pelos deuses para o Egito enquanto gregos e troianos guerreavam por um mero fantasma feito de nuvens.

No desenvolvimento de Helena, a protagonista encontra-se refugiada junto ao túmulo do sábio rei Proteu no Egito, buscando proteção contra as investidas indesejadas de Teoclímeno, o novo e tirânico governante local que deseja forçá-la ao casamento. A chegada do náufrago Menelau, que regressa de Tróia carregando a falsa Helena feita de ar, marca o ponto de virada dramático da trama. O reencontro entre o marido desconfiado e a esposa virtuosa desencadeia uma série de reflexões profundas sobre a fragilidade da percepção humana, a discrepância entre a reputação e a verdadeira identidade, e a inutilidade das guerras travadas em nome de ilusões ou aparências enganosas.

A reviravolta ganha contornos de suspense e perspicácia quando a ilusão se desfaz no ar e a verdadeira rainha é finalmente reconhecida por seu esposo. Unindo a inteligência feminina ao desespero do guerreiro, os dois elaboram um plano astucioso para escapar do Egito e retornar à sua terra natal. Com o auxílio crucial da sacerdotisa Teónoe, irmã do rei egípcio, que decide manter o segredo do casal por devoção à justiça divina, Helena finge aceitar o matrimônio com Teoclímeno, exigindo apenas a realização de um ritual fúnebre em alto-mar para honrar o suposto falecimento de seu antigo marido Menelau.

Enganado pela farsa e fornecendo ele próprio o navio e a tripulação necessários para a cerimônia, o tirano egípcio assiste sem perceber à fuga dos dois esposos. Em alto-mar, Menelau e seus companheiros sobreviventes tomam o controle da embarcação em uma batalha rápida, conseguindo finalmente navegar de volta à Grécia. A fúria posterior de Teoclímeno, que ameaça punir a própria irmã por sua cumplicidade, é contida apenas pela aparição divina dos Dioscuros, os irmãos divinizados de Helena, que estabelecem a paz e ratificam o destino glorioso reservados ao casal real.

Em suma, a apreciação detalhada de Helena de Eurípides confirma a capacidade do dramaturgo de transitar entre a gravidade do sofrimento humano, entre os limites da verdade e da ilusão, e o alívio do final feliz, criando uma das peças mais originais de sua época.

(*) Notas sobre a ilustração:

Esta ilustração retrata uma cena emocionante da tragédia grega "Helena", de Eurípides, encenada no palco de um antigo teatro ao ar livre na Grécia Antiga.

Abaixo estão os detalhes que explicam os elementos da imagem:

• Helena (A Figura Central): No centro da orchestra, a protagonista Helena surge radiante em uma túnica branca com detalhes em ouro e um suntuoso manto dourado. Ela está com os braços abertos, expressando alívio, nobreza e revelando sua verdadeira identidade e inocência diante de todos.

• Menelau e o Mensageiro (À Esquerda): À esquerda, o rei Menelau aparece vestindo um elmo de combate, armadura e túnica verde, segurando um cajado de viagem como náufrago. Ao seu lado, um servo ou mensageiro de manto vermelho o acompanha no surpreendente momento do reencontro com a verdadeira esposa.

• O Coro de Mulheres Cativas (À Direita): Um grupo de mulheres gregas cativas, representando o Coro da peça, veste túnicas escuras e expressa espanto, comoção e fascínio com gestos dramáticos diante da revelação de Helena.

• A Skene e a Inscrição: O edifício do palco (skene) representa a fachada clássica do palácio ou santuário no Egito, com colunas e portas de madeira trabalhada. No friso superior, destaca-se o nome do dramaturgo, ΕΥΡΙΠΙΔΟΥ (Eurípides), e no friso inferior logo acima da entrada principal lê-se ΕΛΕΝΑ (Helena).

• A Plateia e a Acrópole: À esquerda, o anfiteatro de pedra abriga uma grande plateia que assiste atenta ao espetáculo. Ao fundo, sob a luz suave do pôr do sol, a Acrópole de Atenas se ergue no horizonte, contextualizando a origem histórica da encenação.

A imagem sintetiza o tema central da obra: a desconstrução da ilusão, o reencontro dos esposos e a prova de que a verdadeira Helena permaneceu fiel longe dos horrores da Guerra de Tróia.

As Fenícias de Eurípides e o Colapso da Casa Real de Tebas

A impressionante obra dramática intitulada As Fenícias de Eurípides destaca-se no acervo do teatro grego clássico por sua escala monumental, densidade narrativa e complexidade de personagens. Encenada originalmente nos anos finais do século V a.C., a peça revisita o famoso mito da guerra civil tebana travada entre os filhos de Édipo, Polinices e Eteócles, que disputam ferozmente o controle absoluto do reino.

Diferente de outros dramaturgos que abordaram a mesma lenda sob o prisma estritamente moral ou político, Eurípides constrói uma atmosfera saturada de tensão familiar e desesperança cívica, reunindo em uma única ação dramática quase todos os episódios e figuras marcantes do trágico ciclo tebano. A inovação estrutural que marca a abertura reside na preservação e presença ativa de Jocasta, a mãe e esposa de Édipo. Enquanto outras tradições mitológicas a mostram cometendo suicídio logo após a terrível descoberta do incesto, o autor ateniense a mantém viva, cansada e angustiada, atuando como uma figura desesperada que tenta intermediar a paz entre os próprios filhos.

A narrativa inicia-se com Jocasta promovendo um trégua temporária e um encontro direto entre o exilado Polinices, que marcha contra a própria pátria acompanhado pelo exército dos Sete Chefes, e Eteócles, que se recusa categoricamente a ceder o trono conforme o acordo de alternância de poder previamente estabelecido. O diálogo entre os dois irmãos expõe a ruína das pontes diplomáticas diante da ambição desmedida e do orgulho irredutível. Polinices clama pela justiça de sua causa e pelo direito de retornar à sua terra natal, enquanto Eteócles assume abertamente a tirania, declarando que a soberania é o bem mais precioso e que jamais a entregará voluntariamente. O coro, composto por mulheres jovens estrangeiras vindas da Fenícia a caminho do oráculo de Delfos e presas na cidade devido ao cerco inimigo, testemunha o impasse e confere um tom lírico e universal à tragédia, contrastando o horror da guerra iminente com a perspectiva de observadoras externas que observam o declínio da linhagem de Cadmo.

Conforme as tropas se preparam para o combate final junto às sete portas da cidade, a trama ganha contornos de profundo sacrifício e piedade patética. O profeta Tirésias revela que a salvação de Tebas exige o sacrifício de Meneceus, o jovem filho de Creonte, para aplacar a antiga ira do deus Ares. Em um ato de heroísmo genuíno e puro, o jovem ignora os apelos de seu pai para fugir e tira a própria vida do alto das muralhas, assegurando a vitória das forças locais.

No entanto, a salvação da pólis não impede o desastre familiar, e os dois irmãos terminam por se enfrentar em um duelo individual sangrento e fatal, onde ambos perfuram o peito um do outro simultaneamente sobre o campo de batalha. O ápice de dor desaba sobre a casa real quando Jocasta, acompanhada por sua filha Antígona, corre ao local do duelo apenas para encontrar seus dois filhos à beira da morte. Consumida pelo desgosto incalculável e incapaz de suportar a visão dos corpos inertes de seus descendentes, a rainha tira a própria vida sobre os cadáveres dos príncipes com a mesma espada que os vitimou. A tragédia encerra-se com a entrada do cego e velhíssimo Édipo, que é conduzido para fora do palácio por Antígona para enfrentar o banquete de infortúnios e o exílio definitivo, deixando Tebas libertada dos invasores, mas moralmente arruinada e desprovida de sua liderança tradicional.

A análise aprofundada de As Fenícias de Eurípides confirma a habilidade incomparável do dramaturgo em entrelaçar o destino individual com a catástrofe coletiva de forma visceral. Ao examinar o egoísmo dos governantes, a inutilidade das guerras fratricidas e a dor de uma família destruída pela maldição e pelo livre-arbítrio degenerado, o espetáculo é considerado uma das obras mais ricas, humanas e impactantes de toda a dramaturgia clássica.

(*) Notas sobre a ilustração:

Esta ilustração retrata uma cena dramática da tragédia grega "As Fenícias", de Eurípides, encenada no palco de um antigo teatro de pedra ao ar livre sob o céu do anoitecer.

Abaixo estão os detalhes que explicam a composição da imagem:

• Jocasta (A Figura Central): A rainha Jocasta aparece no centro da orchestra, ajoelhada em sinal de desespero com um vestido vermelho-escuro. Com os braços abertos, ela tenta desesperadamente intervir e apartar o confronto iminente entre seus dois filhos.

• Eteócles e Polinices (Os Guerreiros): Ladeando Jocasta, os dois irmãos estão armados para o duelo fatal. À esquerda, um guerreiro usa armadura dourada, elmo com crista vermelha e empunha uma espada curta. À direita, o outro guerreiro veste túnica roxa e segura um escudo decorado com a figura de um javali.

• O Coro das Mulheres Fenícias (Ao Fundo): Em cima da plataforma do palco, um coro composto por nove mulheres com túnicas tradicionais e véus observa a cena com expressões de dor e consternação.

• A Skene e a Inscrição: O edifício do palco (skene) representa a fachada do palácio real de Tebas, construído em pedra com colunas dóricas. No friso central, destaca-se a inscrição em grego antigo: ΑΙ ΦΟΙΝΙΣΣΑΙ ΕΥΡΙΠΙΔΟΥ, que se traduz como "As Fenícias de Eurípides".

• A Plateia e o Cenário: À esquerda, o anfiteatro de pedra abriga os espectadores que assistem à apresentação. Ao fundo, no topo das colinas, é possível ver a acrópole e as fortificações da cidade sob a luz suave do pôr do sol.

A imagem sintetiza o momento de maior tensão da obra: a tentativa inútil da mãe de evitar a guerra fratricida e a ruína da dinastia de Tebas.

Massa-Homem, de Ernst Toller: a Crise do Drama e o Expressionismo Alemão

 

por Jean Pires

Análise de Massa-Homem, de Ernst Toller

A análise de Massa-Homem, de Ernst Toller, examina a peça à luz da crise do drama moderno, relacionando-a às teorias de Rosenfeld e Szondi sobre os gêneros literários e o expressionismo alemão. O estudo contextualiza a obra no cenário da Alemanha pós-Primeira Guerra Mundial e da repressão aos movimentos revolucionários de 1918–1919. Destaca a ruptura da peça com o drama tradicional por meio da técnica das estações, da fragmentação da ação e da fusão entre sonho e realidade. A análise evidencia o conflito entre indivíduo e coletividade, simbolizado pela personagem da Mulher, que rejeita a violência revolucionária e estatal em defesa de valores humanistas. Também discute a alienação, a impessoalidade das categorias sociais e a crítica de Toller tanto ao capitalismo quanto ao autoritarismo revolucionário, concluindo que a obra representa um marco do drama expressionista ao romper com a objetividade aristotélica e incorporar elementos épicos e líricos.

1. Introdução

Para realizar a análise da peça de Ernst Toller, Massa-Homem (“Masse-Mensch”, 1919), tomaremos como referência o conceito de crise do drama e seguiremos os caminhos que foram percorridos em sala de aula, a fim de contextualizar a obra de Toller dentro de seus referenciais teóricos e literários.

Segundo Rosenfeld, o conceito de gêneros literários surgiu da tradição grega, a partir da obra de Platão República. No livro 3, Sócrates define três tipos de obras poéticas: a imitação (tragédia e comédia); o relato do poeta (ditirambo); e a mistura dos dois tipos, a epopeia. Na esteira de Platão, Aristóteles inaugura, em sua Arte Poética, a concepção tradicional de três gêneros literários, a saber: lírica, épica e dramática. Conforme Rosenfeld, a teoria subsequente dos gêneros literários se desdobrou em duas acepções fundamentais, a “substantiva” e a “adjetiva”. A primeira divide os gêneros em tipos ideais, ainda que isso seja artificial, e define o gênero lírico em canto, ode, hino e elegia; o gênero épico (versos ou prosa) em epopeia, romance e novela; e o gênero dramático em tragédia, comédia, farsa, tragicomédia etc. A segunda compreende os gêneros através de seus traços estilísticos, que podem apresentar diferentes graus independentemente da acepção substantiva que porventura uma determinada obra possa ser classificada.

O lírico se distingue por textos breves, de menor extensão, em que há um extravazamento de subjetividade. O foco narrativo tem no Eu lírico seu ponto de culminante, para o qual tudo se reduz às suas próprias impressões e, consequentemente, a um diálogo interior consigo mesmo (monólogo). Portanto, o objeto do Eu lírico é o próprio sujeito reflexivo, o Eu lírico, que dá sentido a todas as coisas do universo. A objetividade do mundo então perde seus contornos definidos, pois tudo se encontra em função de suas emoções e seus pensamentos. Se mundo é percebido através dos seus sentimentos, a própria forma textual perde todo o seu compromisso com a realidade dos fatos e é marcada por recursos literários que visam acentuar a passionalidade do Eu lírico, como o ritmo, a métrica, a rima, a musicalidade etc. O uso de figuras de linguagem, como a metáfora, a metonímia, o paradoxo, etc., também são bastante utilizados para manifestar a intensidade do estado de espírito. Devido a falta de distanciamento entre o sujeito e objeto, o Eu lírica fala no tempo presente, imediato, atual, em um eterno desdobrar do aqui agora sem relação alguma com o passado ou futuro. “A lírica tende a ser a plasmação imediata das vivências intensas de um Eu no encontro com o mundo, sem que se interponham eventos distentidos no tempo (como na Épica e na Dramática)” (ROSENFELD, 1985, p. 22).

A épica é, geralmente, um texto de maior extensão, no qual um narrador, que quer comunicar uma história, um caso, um evento etc., descreve um enredo envolvendo uma série de personagens que vivenciam uma infinidade de situações e conflitos inerentes à própria narrativa. Para melhor caracterizar esse narrador, podemos estabelecer o foco da narrativa na figura do Eu épico, que é um narrador onisciente, isto é, que sabe de antemão o que vai acontecer ou, quando muito, conhece parcialmente aquilo que será narrado, a depender da estratégia pretendida pelo narrador, que sabe disso. Ao contrário do Eu lírico, o Eu épico não exprime seus sentimentos ou, pelo menos, procura evitar exprimir seu próprio estado de ânimo e manter-se a uma distância relativamente grande do objeto narrado. Dado o seu caráter objetivo e a extensão infinita de suas possibilidades, o Eu épico tende a ser mais racional e não se confunde com os personagens narrados por ele, os quais, inversamente, não sabem o que vai acontecer durante o desenvolvimento da trama. “Mas permanecerá, ao mesmo tempo, o narrador que apenas mostra ou ilustra como esses personagens se comportam, sem que passe a transforma-se neles” (p. 26). Diante disso, a narrativa se desenvolve no passado, pois sendo assim, o Eu épico tem maior domínio sobre a ação narrada.

O drama é caracterizado pela autonomia do objeto, independente de um narrador e de sua interferência, já que o próprio narrador é dispensável, aparecendo em momentos excepcionais como o prólogo, o coro etc. Com isso desaparece a relação sujeito narrador e a objetividade é absoluta, o que torna o drama completamente oposto ao gênero lírico, em que, como vimos, o sujeito ocupa uma função central. Na concepção de Hegel o drama aparece como a síntese dialética dos gêneros entendidos enquanto termos contraditórios, à qual concilia a subjetividade da lírica e à objetividade da épica, apesar de Rosenfeld não reconhecer o esquema hegeliano, pois, para ele, isso implicaria a superioridade do gênero dramático sobre os demais. Os traços estilísticos do drama são o seu rigoroso encadeamento causal, cujas cenas mantêm entre si uma relação de causa-efeito. Diante disso, a unicidade de tempo, de lugar e a de ação é uma de suas principais características. O enredo também transcorre sem uma interferência externa, do narrador, mas como um “mecanismo” autônomo. O tempo no gênero dramático é linear, desenvolve-se constantemente, e a ação se dá sempre no presente, “pela primeira vez”. O diálogo é motor do drama e se desenvolve no palco, durante a encenação, por meio do conflito dos personagens em cena, que, dentro de um horizonte menor, são independentes do ponto de vista da subjetividade. “O diálogo dramático move a ação através da dialética de afirmação e réplica, através do entrechoque das intenções” (p. 34). Portanto, a característica fundamental do drama é a sua objetividade que se realiza por meio do diálogo e por isso sua função é apelativa.

2. A crise do drama

Para contextualizar a peça ora analisada, trataremos de forma breve alguns pressupostos que, ao nosso ver, são imprescindíveis para compreender o desenvolvimento dramático até o expressionismo alemão. As peças de Strindberg são um marco, pois nelas o autor rompe com a objetividade do drama e institui uma subjetividade para a qual todos os demais personagens são projeções, substituindo a unidade da ação pela unidade do Eu. Como resultado, o dramaturgo subjetivista desenvolve a “técnica das estações”, cujas cenas são apresentadas de acordo com uma perspectiva do herói, visando com isso ressaltar seu percurso em face das figuras que lhe aparecem. Além disso, as cenas não se ligam por nenhum nexo causal umas às outras, o que rompe com o rigoroso encadeamento de causa-efeito do estilo dramático. O drama social de Hauptmann também introduz inovações importantes, à medida que determinações econômicas e políticas do capitalismo industrial suprimem a individualidade que só existe enquanto classe social. A dramaturgia engajada, denominada agitrop, surgida durante a Revolução Russa de 1917 e tendo como expoente Maiakovski, também é uma influência, pois visava abordar temas sociais relacionados com a revolução e os sovietes, através da representação da luta de classes entre capitalistas e proletários por meio de peças curtas e didáticas. Finalmente o expressionismo alemão (1910 – 1925), tomando como base a “técnica das estações”, tem como pressuposto a alienação do sujeito e, consequentemente, sua expressão distorcida da realidade objetiva. Segundo Szondi: “o homem é visado pelo expressionismo, conscientemente, como abstractum” (SZONDI, 2011, p. 109).

3. Análise

O contexto histórico da Alemanha em que a peça Massa-Homem (1919) foi escrito é marcado pelo fim da Primeira Guerra Mundial, a fundação da República de Weimer, em 1918, e a tentativa dos movimentos populares, a exemplo da Rússia Soviética, emplacar uma revolução socialista no país, evento que ficou também conhecido como “Outubro Alemão”. Mas ao contrário do que se sucedeu na Rússia, a revolução na Alemanha fracassou amargamente, dando ensejo a uma repressão violenta que levou muitos militantes revolucionários à prisão, incluindo Toller. É nesse período de enclausuramento que Toller escreve a referida obra. A epígrafe da peça não deixa de dúvidas sobre o sentimento de derrota e redenção diante do revés sofrido pelos idealistas do socialismo internacional: “Revolução mundial... A terra se crucifica”. De fato, há uma espécie de autocrítica em que o autor dá voz a um personagem que questiona os métodos empregados pelos revolucionários, criando uma tensão entre o indivíduo e as ações coletivas das massas, que acabam por reproduzir, por um outro ângulo, a mesma lógica de violência monopolizada pelo Estado.

Neste aspecto, o título da peça é bastante sugestivo. Massa e homem (na verdade ser humano, enquanto espécie, ou seja, “mensch”, em alemão) é grafado com um hífen dando a ideia de formação de um único vocábulo, por justaposição ou composição: “massa-homem”. Aqui não sabemos se os dois sentidos se conservam ou se um núcleo sobredetermina o outro. Em que pese essa questão, que não pode ser resolvida, há uma tensão entre o particular e o geral, no sentido que um indivíduo pertencente à espécie humana se confronta com as ações da coletividade que age de maneira própria. Mas até que ponto nossas ações enquanto pessoas autônomas podem influenciar ou são influenciadas o conjunto social é uma pergunta que subjaz em todo o enredo de Massa-homem, levando a conclusão de que não há liberdade. Porém, tal resposta não fica suspensa no ar, porque, no limite, a indagação parece ter sido solucionada de modo pessimista na última frase da mencionada epígrafe.

É interessante notar, dentro deste quadro, como os personagens são construídos. A princípio, tal como nas peças de Strindberg, só existe – ou formalmente, só existe – uma personagem, que é nomeada, Sonia Irene. É a partir de Sonia que a unidade da peça transcorre tanto em um plano realista como em um plano onírico. Desta forma, há dois tipos de personagens (segundo o professor, a melhor tradução seria “jogador”) no elenco, aqueles que são reais (operários, operárias, o anônimo, prisioneiras, oficial e homem, o funcionário) e as visões de Sonia, os vultos (o acompanhante, banqueiros, o funcionário, guardas homens e mulheres, prisioneiros e sombras), muito embora seja muito difícil traçar uma fronteira nítida entre eles. Realmente, não podemos dizer com precisão o que é a realidade e o que é sonho, a não ser pela própria indicação épica do autor quanto à divisão dos quadros (estações) no início da peça. Nenhum dos personagens tem nomes, entretanto; e são qualificados mais como categorias sociais do que indivíduos propriamente ditos.

A própria Sonia é apenas um referencial, um mote, pelo qual se desdobra a ação dramática, já que ela mesma se converte em apenas a mulher. Ainda que os operários a tenham como uma liderança da revolução social, na esfera privada a mulher é reduzida ao papel social de esposa, casada com um funcionário do Estado, o homem, seu marido, (em alemão, “mann”). O embate que os dois travam no início da peça sugere que, além da dominação da classe burguesa sobre a classe operária e camponesa, há também um outro nível de exploração, a do patriarcado, do marido sobre a esposa. Não é por acaso que o homem é um funcionário do Estado, que de alguma forma simboliza o poder. Em dado momento, o homem diz para a mulher: “Mesmo teus, assim chamados, camaradas operários / Desprezam mães solteiras”. O rompimento entre a mulher e o homem que, por sua vez, encarna a própria violência e impessoalidade do Estado encarnado no homem – se é que existem pessoas sob a égide da alienação do trabalho – é uma antecipação do confronto que se seguirá mais adiante, entre os operários e agricultores revolucionários e os agentes estatais da repressão.

Outro personagem importante é a figura do anônimo, que, em si, é bastante contraditório, haja vista que, de fato, com exceção de Sonia, apresentada no início, todos os personagens são anônimos. Porém, o anônimo é um elemento bastante misterioso já que não possui nenhuma categoria ou classe social. O que sabemos é que as massas ecoam todas as suas decisões, e por isso não podemos traçar novamente as fronteiras que os separam – se é que existe alguma separação. Neste sentido, há um outro embate, durante o decorrer da peça, que é central e se dá em um outro nível, além da luta de classe e da guerra dos sexos, a saber, o conflito entre o indivíduo e a coletividade. Mas aqui o indivíduo não é mais ele mesmo, tornando-se anônimo em meio à massa que, dentro da lógica capitalista, é uma classe social determinada pelas condições econômicas. Talvez, a entidade nomeada pela alcunha de “anônimo” seja a consciência de classe que se torna ciente de sua condição de explorada pela burguesia. Assim, o anônimo nada pode fazer a não ser obedecer ao movimento histórico de sua suposta libertação. Sob o jugo de uma lógica de que não pode dominar, o anônimo só pode conduzir a massa para uma revolução violenta: a guerra de classes.

Ora, mas de certo modo, como vimos, todos os personagens desempenham papéis que lhes são impostos de fora, manipulados como fantoches por uma “mão invisível”, sem conseguir controlar seus próprios destinos. Os industriais, banqueiros e financistas, retradados como fantasmagorias, são apenas segmentos enumerados que expressam um monólogo que anseia apenas o lucro pelo lucro. O mesmo se dá aos agentes da repressão, os guardas, que apenas executam ordens, independente de suas condições sociais de trabalhadores do Estado. O sacerdote é o responsável espiritualmente pela manutenção do status quo e exige o arrependimento e a retratação da mulher. No fundo todos são anônimos, todos são sombras na caverna de uma criatura monstruosa que superou o criador: o capital.

A mulher aparece como a única pessoa de fato que emerge da massa disforme. Quando entabula um diálogo com o anônimo, reprova seus meios violentos e sua volúpia cega de sangue. Esta personagem feminina, não por acaso, concebe uma outra utopia, baseada em novo tipo de ser humano (“mensch”), voltada a valores humanistas, éticos, justos, culturais e pacíficos. Esta humanidade de novo tipo não renascerá da violência, da ideologia, da massa, da barbárie, mas de uma defesa intransigente da vida. Neste particular, é bastante emblemático quando ela confronta o anônimo e parece nomeá-lo:

A mulher: - Tu não és libertação.

Tu não és redenção.

No entanto, eu sei quem você és.

“Abates!” Sempre abates!

Teu pai, este se chamava guerra.

Tu és o seu bastardo.

Tu, pobre novo marechal-carrasco,

Teu único caminho da salvação: “Morte” e

“Exterminem!”

Despe o manto das palavras elevadas,

Que se transforma em tecido de papel.

(Sétimo quadro, p. 37)

No fundo, a mulher é única pessoa que consegue vislumbrar a lógica que opera por trás das abstrações que são as categorias sociais. Ela sofre profundamente com a frieza do marido burocrata, sofre com o destino da massa que repete a violência do Estado e do capital. De certo modo, Toller, na figura da mulher, antevia que a conquista do poder pelo proletariado não significava uma mudança radical da sociedade, mas apenas uma mudança de sentido de vetores. No fundo, tudo continuaria igual e a libertação da humanidade se redundaria apenas em discursos, fórmulas vazias e ideologia. Os seja, nada transcenderia de fato o âmbito da política no sentido mais maquiavélico do termo. A própria mulher não pode escapar da alienação, pois o aspecto onírico da realidade, típico do expressionismo alemão, significa que o estranhamento causado pela alienação não pode ser superado. Assim como uma Joana D’Arc extasiada por visões desafiou um sistema implacável e a levaram para a fogueira, a mulher é condenada mesmo tendo sido comprovada a sua inocência na participação do derramamento de sangue provocada pela fúria da massa anônima.

O oficial – Aqui a sentença.

Circunstâncias atenuantes reconhecidas

Contudo. Crime político exige expiação.

A mulher – O senhor vai me mandar fusilar?

O oficial – Ordem ordem. Obedecer obedecer.

Interesse do Estado clama ordem.

Dever de oficial.

A mulher – E a pessoa?

O oficial – Toda conversa a mim vedada.

Ordem ordem.

(Sétimo quadro, pp. 43-44)

Conclusão

Como vimos acima, Massa-Homem rompe com o gênero dramático e se insere na crise do drama. Seguindo o modelo da técnica de estações, a peça é dividida em sete quadros ou estações, que não possuem sequência causal necessariamente, já que algumas estações são visões intercaladas que não são causados pelas cenas anteriores. No entanto, afora esses momentos oníricos, o desenvolvimento da peça tem um seguimento coerente e realista, que é uma exigência do expressionismo. Ao mesmo tempo, a peça quebra com a objetividade do gênero dramático, pois tudo é percebido a partir da perspectiva alienada da mulher. Assim, o mundo se apresenta estranho, confuso, e não sabemos de fato quando estamos presenciando um sonho ou a realidade objetiva. Há também um forte componente lírico, principalmente na fala da mulher, e na linguagem ritmada em modo de estacato. Portanto, a peça de Toller quebra com os moldes lançados por Aristóteles na teoria dos gêneros literários.

Bibliografia

ROSENFELD, A., Teatro épico. Editora Perspectiva: São Paulo, 1985.

SZONDI, P., Teoria do drama moderno (1880-1950). Cosac & Naify: São Paulo, 2011.

TOLLER, P., Massa-Homem: uma peça da revolução social do século xx / tradução de Tania M. Bernkopf e Betty M. Kunz). Instituto Goethe: Porto Alegre, 1982.

VÁRIOS (Org. Iná Camargo Costa e Douglas Estevam). Agitrop: cultura política. Expressão Popular: São Paulo, 2015.

(*) Notas sobre a ilustração:

A imagem retrata uma cena dramática e expressiva de uma peça teatral, capturando o espírito expressionista do trabalho de Ernst Toller. Aqui está uma descrição detalhada dos elementos visuais e de como eles transmitem a mensagem da obra:

Cenário e Atmosfera Expressionista:

• O Fundo Tumultuado: A parede ao fundo não é apenas um cenário, mas uma pintura expressionista vibrante e caótica. Ela retrata uma massa de figuras humanas distorcidas, com punhos cerrados e expressões de angústia e revolta. Essa "massa" parece estar em movimento constante, como uma onda de fúria e desesperança.

• Cores Simbólicas: A paleta de cores no fundo é dominada por tons sombrios de cinza e preto, pontuados por toques vibrantes e inquietantes de vermelho e verde. O vermelho evoca a violência, a revolução e a raiva, enquanto o verde adiciona uma qualidade dissonante e perturbadora à composição.

• A Engrenagem e as Grades: Em meio à massa de corpos, uma grande engrenagem industrial se destaca, simbolizando a opressão do trabalho fabril e a mecanização da vida. Mais ao fundo, vemos janelas com grades, sugerindo aprisionamento e falta de liberdade. Esses elementos reforçam o tema da luta do indivíduo contra um sistema desumanizador.

O Protagonista e a Luta Individual:

• A Figura Central: No centro do palco, um homem em trajes de operário tattered está parado, olhando para cima com uma expressão de desespero e conflito interno. Sua postura, com uma mão no peito, sugere uma profunda luta moral e a angústia de tomar uma decisão difícil. Ele está posicionado em uma pequena plataforma elevada, o que o separa ligeiramente da massa tumultuada ao fundo, destacando sua individualidade e seu dilema.

• O Dilema Moral: O homem parece estar preso entre dois mundos: o apelo da massa revolucionária ao fundo e sua própria consciência individual. Seu olhar para o alto pode simbolizar a busca por uma solução ética ou a desesperança diante da violência que se aproxima.

Elementos Adicionais:

• O Pôster: À esquerda, um pôster com o título da peça, "MASSE MENSCH" (Massa-Homem), e o nome do autor, ERNST TOLLER, está visível. Isso ancora a cena diretamente na obra específica.

• O Público: Na parte inferior da imagem, vemos as silhuetas das cabeças dos espectadores na plateia. Isso nos lembra que estamos testemunhando uma performance teatral e adiciona uma camada de realismo à cena.

Significado Geral:

A imagem encapsula o tema central da peça de Toller: a tensão entre a necessidade de ação coletiva e a moralidade individual. O protagonista, dilacerado pelo dilema de apoiar uma revolução violenta ou manter seus princípios éticos, se torna um símbolo da luta humana contra as forças opressivas da sociedade e a complexidade das escolhas morais em tempos de crise.

Henrique IV, de William Shakespeare: O Teatro do Poder, Honra e Amadurecimento

A dramaturgia clássica tem poucas obras tão dinâmicas e multifacetadas quanto Henrique IV, de William Shakespeare, amplamente reconhecida como uma das maiores realizações do teatro clássico ocidental. Dividida em duas partes (Parte 1 e Parte 2), a obra retrata a instabilidade política na Inglaterra do final do século XIV e início do século XV, ao mesmo tempo em que investiga os conflitos morais e o amadurecimento pessoal de seus personagens.

Esta peça, no entanto, transcende a mera crônica da monarquia inglesa para mergulhar profundamente nas complexidades da psique humana, nas dinâmicas de poder e na eterna busca pela maturidade. Shakespeare transforma o reinado conturbado de Henrique IV em um palco para questionar o que realmente constitui a legitimidade de um rei, a natureza da honra e o peso do dever. Seja através dos dilemas do rei, do amadurecimento do Príncipe Hal ou do alívio cômico e filosófico de Sir John Falstaff, a peça oferece uma aula sobre a natureza da liderança e as ambiguidades morais da política.

1. A origem de Henrique IV

As duas partes de Henrique IV pertencem ao conjunto das chamadas peças históricas de Shakespeare, inspiradas principalmente nas Crônicas de Raphael Holinshed e em outros registros históricos ingleses. As peças foram escritas no final do século XVI e fazem parte de uma sequência dramática dedicada aos reis ingleses. Elas sucedem os acontecimentos narrados em Ricardo II e antecedem Henrique V, formando uma trilogia que acompanha a ascensão e consolidação da dinastia Lancaster.

Embora baseadas em acontecimentos reais, as peças não pretendem funcionar como documentos históricos. Shakespeare adapta livremente diversos episódios para construir uma narrativa dramática capaz de refletir sobre a natureza do poder e do governo.

2. O contexto histórico

Henrique IV chegou ao trono após depor seu primo, Ricardo II. Embora sua coroação tenha sido bem-sucedida, sua legitimidade permaneceu constantemente ameaçada. Durante seu reinado, diversos nobres organizaram rebeliões contra a Coroa, enquanto conflitos internos enfraqueciam a estabilidade do reino. Paralelamente, surgia a preocupação com o comportamento do príncipe Henrique, herdeiro do trono, que parecia preferir tavernas e companhias duvidosas à vida política. Esse cenário de instabilidade fornece o pano de fundo para uma das narrativas políticas mais complexas escritas por Shakespeare.

3. Henrique IV – Parte 1

3.1. O conflito entre dever e juventude

Na primeira parte, o rei enfrenta uma poderosa revolta liderada pela família Percy, especialmente pelo jovem guerreiro Henrique Percy, conhecido como Hotspur. Enquanto Hotspur se destaca como exemplo de coragem militar, o príncipe Henrique — frequentemente chamado de Hal — passa seus dias ao lado de Sir John Falstaff, frequentando tavernas e participando de pequenas aventuras.

O contraste é evidente:

• Hotspur representa disciplina, honra militar e impulsividade.
• Hal aparenta irresponsabilidade, irreverência e despreocupação.

Entretanto, Shakespeare demonstra que as aparências podem enganar. Hal revela possuir plena consciência de sua imagem pública e afirma que pretende surpreender todos quando chegar o momento certo. O clímax ocorre na Batalha de Shrewsbury, quando Hal derrota Hotspur, provando finalmente seu valor como guerreiro e futuro governante.

4. Henrique IV – Parte 2

4.1. A transformação do príncipe

A segunda parte aprofunda o desgaste físico e emocional do rei Henrique IV, cada vez mais consumido pelas preocupações do governo. Enquanto isso, Hal inicia sua transformação definitiva em líder político. O momento mais marcante da peça acontece após a morte do rei. Ao assumir o trono como Henrique V, o novo monarca rompe publicamente sua amizade com Falstaff.

A famosa rejeição simboliza o abandono da juventude inconsequente em favor das responsabilidades do poder. Essa decisão representa uma das mudanças psicológicas mais importantes em toda a obra de Shakespeare.

5. Os principais personagens

Henrique IV

É um rei inteligente e experiente, mas profundamente atormentado pela maneira como conquistou a Coroa.

Sua principal preocupação consiste em garantir estabilidade ao reino e preparar adequadamente seu sucessor.

Apesar da autoridade, demonstra vulnerabilidade diante das constantes crises políticas.

Príncipe Henrique (Hal)

Hal protagoniza um dos maiores processos de amadurecimento da literatura.

Inicialmente visto como irresponsável, revela extraordinária inteligência política.

Sua evolução prepara o caminho para o herói retratado em Henrique V.

Sir John Falstaff

Falstaff é uma das figuras mais célebres criadas por Shakespeare.

Engraçado, exagerado, covarde em algumas situações e extremamente espirituoso, ele desafia os valores tradicionais da honra e do heroísmo.

Sua amizade com Hal produz algumas das cenas mais divertidas da dramaturgia inglesa.

Ao mesmo tempo, Falstaff representa um mundo de liberdade que inevitavelmente desaparece quando Hal assume o trono.

Hotspur

Henrique Percy, conhecido como Hotspur, simboliza a honra cavaleiresca.

Valente, impulsivo e obstinado, torna-se o principal rival do príncipe Henrique.

Sua personalidade oferece um contraponto importante ao desenvolvimento de Hal.

6. A Estrutura Dramática de Henrique IV, de William Shakespeare

Para compreender o impacto de Henrique IV, de William Shakespeare, é fundamental analisar como o dramaturgo estruturou a narrativa. A peça alterna habilmente entre dois mundos contrastantes: a corte real solene e as tavernas caóticas de Londres.

6.1. Legitimidade e Conflito Político: A Coroa e a Usurpação

No centro da trama está o Rei Henrique IV (anteriormente Henry Bolingbroke), um governante atormentado pela culpa. A ascensão de Henrique IV ao trono ocorreu após a usurpação e deposição de seu primo, Ricardo II. Esse pecado original da usurpação paira sobre todo o seu governo, desencadeando rebeliões de nobres que antes o apoiavam, como a família Percy.

• A Insegurança no Trono: O rei vive sob o peso da ilegitimidade de seu reinado.

• O Rei Cansado: Henrique IV é retratado como um governante corroído pela culpa e pela insônia, lutando para manter o reino unido.

• A Conspiração Noblesse: Os nobres rebeldes, liderados por Hotspur (Henry Percy), personificam o código de honra cavalheiresco tradicional, focado na glória militar. Os rebeldes desafiam a autoridade real, criando o palco para a guerra civil.

• A Saúde Decadente: A degradação física do rei reflete a instabilidade do próprio reino.

6. 2. A Dupla Vida do Príncipe Hal: A Taverna vs. A Corte

A genialidade de Shakespeare nesta obra reside na justaposição de dois cenários fundamentais:

1. A Corte Real: Onde a política fria, o dever e a honra militar exigem postura e sacrifício.

2. A Taverna de Boar's Head: Um refúgio de hedonismo, bebedeiras, roubos e liberdade moral, regido por Sir John Falstaff.

7. Sir John Falstaff: O Anti-Herói Imortal

Nenhuma análise sobre Henrique IV, de William Shakespeare, estaria completa sem destacar Sir John Falstaff. Sir John Falstaff é inquestionavelmente uma das maiores criações da literatura mundial. gordo, covarde, mentiroso e infinitamente carismático, Falstaff atua como o alívio cômico e a consciência subversiva da peça e é Falstaff é a personificação dos prazeres terrenos e do ceticismo em relação às virtudes nobres.

                  ┌───────────────────────────────┐
                  │        PRÍNCIPE HAL           │
                  └──────────────┬────────────────┘
                                 │
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                 │                               │
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    ┌─────────────────────────┐     ┌─────────────────────────┐
    │       HENRIQUE IV       │     │     SIR JOHN FALSTAFF   │
    │  Pai Biológico / Dever  │     │  Pai Figurativo / Prazer│
    │  Corte & Responsabilidade│    │  Taverna & Liberdade    │
    ┌─────────────────────────┐     ┌─────────────────────────┐

7.1. A Filosofia da Honra segundo Falstaff

Enquanto Hotspur morrerá pela honra militar, Falstaff desmistifica, em um dos monólogos mais célebres do teatro mundial, o conceito em um dos monólogos mais famosos de Shakespeare:

"O que é a honra? Uma palavra. O que há nessa palavra honra? O que é essa honra? Ar. Um cálculo sutil! Quem a possui? Aquele que morreu na quarta-feira. Ele a sente? Não. Ele a ouve? Não."

Para Falstaff, a preservação da própria vida e o gozo dos prazeres imediatos valem muito mais do que a glória póstuma. Essa visão pragmática contrasta diretamente com o idealismo ingênuo de Hotspur e obriga o Príncipe Hal a encontrar um meio-termo pragmático entre o dever patriótico, a realidade humana e a obsessão pela fama militar.

7.2. A importância de Falstaff

Poucos personagens shakespearianos exerceram influência tão duradoura quanto Falstaff. Sua inteligência, humor e irreverência romperam diversos padrões da dramaturgia renascentista. Ele representa:

• a crítica às convenções sociais;
• o prazer da liberdade;
• a sátira dos ideais heroicos;
• o lado humano escondido sob as estruturas do poder.

Não por acaso, muitos estudiosos consideram Falstaff uma das maiores criações de Shakespeare.

8. O Amadurecimento do Príncipe Hal: A Jornada do Herói

O arco dramático mais influente em Henrique IV, de William Shakespeare, pertence ao Príncipe Hal (o futuro Rei Henrique V). O jovem herdeiro prefere a companhia de boêmios e criminosos à sobriedade do palácio, gerando desespero em seu pai.

       [ O Dilema do Príncipe Hal ]
                       │
       ┌───────────────┴───────────────┐
       ▼                               ▼
 [ A Vida Boêmia ]             [ O Dever Real ]
  Tavernas, Vício,              Honra, Coroa,
  Falstaff                      Liderança
       │                               │
       └───────────────┬───────────────┘
                       ▼
          [ A Grande Metamorfose ]

8.1. O Estratagema de Hal

Apesar de parecer irresponsável, Hal revela logo no início da Parte 1 que sua conduta é calculada. Ele permite que o público e a corte duvidem de sua capacidade para que, no momento certo, sua transformação em um líder exemplar pareça ainda mais impressionante e gloriosa.

8.2. O Clímax: A Batalha de Shrewsbury e a Rejeição

A transição de Hal atinge seu auge na Batalha de Shrewsbury. Diante do perigo iminente ao reino, o príncipe assume suas responsabilidades, salva a vida de seu pai no campo de batalha e derrota Hotspur em combate singular.

8.3. A Confrontação Final com Hotspur

Hal enfrenta Hotspur — o guerreiro ideal aos olhos da nobreza — e o vence em duelo. A partir desse momento, o príncipe prova sua lealdade à coroa e inicia o processo que o consolidará como um dos maiores reis da Inglaterra.

Na Parte 2 de Henrique IV, de William Shakespeare, a saúde do rei declina até sua morte. Ao ser coroado Henrique V, o novo rei precisa tomar a decisão mais dolorosa de sua vida: cortar laços com o passado boêmio.

1. A Coroação: Falstaff viaja às pressas para saudar o novo rei, esperando honrarias e privilégios.

2. A Rejeição: Henrique V olha para seu antigo amigo e proferiu as frias palavras: "Não te conheço, velho".

3. A Nova Era: Hal bane Falstaff da corte, estabelecendo a ordem e a autoridade moral exigidas de um soberano.

9. Temas Principais na Obra

A profundidade de Henrique IV, de William Shakespeare, manifesta-se através de múltiplos temas interligados:

• Legitimidade e Poder: Como um líder se mantém no poder quando a própria origem do seu mandato é questionável?

Toda a narrativa questiona o que torna um governante verdadeiramente legítimo. Henrique IV conquistou o trono pela força, mas precisa governar constantemente sob a sombra da contestação.

Shakespeare sugere que conquistar o poder é apenas o primeiro passo; mantê-lo exige sabedoria, prudência e habilidade política.

• Paternidade e Substituição: Hal vive sob a influência de dois "pais" — seu pai biológico (o rígido Rei Henrique IV) e seu pai espiritual/afetivo (o corrupto e carismático Falstaff).

A relação entre Henrique IV e Hal constitui o núcleo emocional das duas peças. O rei teme que seu filho seja incapaz de governar. O príncipe, por sua vez, amadurece lentamente até conquistar o respeito paterno.

Essa dinâmica transforma um conflito político em um drama familiar profundamente humano.

• O Custo do Dever: A transição de Hal para a realeza exige o sacrifício de suas amizades de juventude, resultando no doloroso e inevitável banimento de Falstaff no final da Parte 2.

Hal passa boa parte da história moldando cuidadosamente sua imagem. Sua juventude aparentemente desregrada acaba funcionando como preparação para uma liderança surpreendente.

O autor apresenta a identidade como algo construído por escolhas conscientes.

• Honra: A ideia de honra aparece sob diferentes perspectivas.

Para Hotspur, ela está ligada ao heroísmo militar. Para Falstaff, trata-se de um conceito vazio, incapaz de salvar vidas. Para Hal, honra significa responsabilidade diante do reino.

Essas visões conflitantes enriquecem o debate filosófico presente na obra.

10. A influência de Henrique IV

As duas partes exerceram enorme influência sobre o teatro inglês. Elas consolidaram um modelo que combina acontecimentos históricos, conflitos políticos, humor e desenvolvimento psicológico dos personagens.

Além disso, estabeleceram uma ponte perfeita entre Ricardo II e Henrique V, formando um amplo retrato da formação do Estado inglês medieval. Ao longo dos séculos, essas peças receberam inúmeras adaptações para teatro, cinema e televisão, permanecendo entre as obras históricas mais encenadas de Shakespeare.

Perguntas Frequentes (FAQ)

Henrique IV é baseado em fatos reais?

Sim. As peças são inspiradas no reinado histórico de Henrique IV da Inglaterra, embora Shakespeare tenha adaptado diversos acontecimentos para fins dramáticos.

Qual é a diferença entre a Parte 1 e a Parte 2 de Henrique IV?

A Parte 1 foca principalmente na rebelião de Hotspur e na batalha de Shrewsbury, destacando a ascensão militar de Hal. A Parte 2 foca na decadência da saúde do rei, no colapso final das rebeliões e no doloroso sacrifício pessoal que Hal deve fazer para se tornar rei, culminando no banimento de Falstaff.

Quem é o verdadeiro protagonista?

Embora o rei dê nome às peças, muitos críticos consideram o príncipe Henrique (Hal) o verdadeiro protagonista, pois sua transformação constitui o eixo central da narrativa.

É necessário ler Ricardo II antes de Henrique IV?

Não é estritamente necessário, mas ajuda muito. Ricardo II é a peça anterior na tetralogia histórica de Shakespeare e explica como Henrique IV tomou o trono, contexto essencial para entender a culpa do rei e as motivações dos rebeldes.

Por que Sir John Falstaff é um personagem tão importante?

Falstaff é fundamental porque representa a humanidade crua, o humor e a recusa em aceitar a hipocrisia das elites políticas. Ele serve como o contraponto moral à frieza da governança.

Conclusão

Henrique IV ocupa lugar de destaque entre as obras históricas de William Shakespeare por unir acontecimentos políticos, conflitos familiares, humor refinado e profunda análise psicológica. Ao acompanhar a trajetória de um rei que luta para consolidar sua autoridade e de um príncipe que aprende gradualmente o peso da liderança, o dramaturgo constrói uma reflexão atemporal sobre o exercício do poder, a legitimidade e o amadurecimento humano.

Com personagens inesquecíveis como Henrique IV, Hal, Hotspur e, sobretudo, Sir John Falstaff, a obra permanece atual ao revelar que governar exige não apenas força ou coragem, mas também discernimento, responsabilidade e compreensão da natureza humana. Por essa riqueza dramática e filosófica, Henrique IV continua sendo uma leitura indispensável para quem deseja conhecer uma das mais brilhantes criações de William Shakespeare.

(*) Notas sobre a ilustração:

A ilustração captura perfeitamente a essência dramática e os temas centrais de Henrique IV, de William Shakespeare:

1. O Rei Atormentado (Figura Central)

No centro da imagem está o Rei Henrique IV, retratado como um governante de meia-idade para idoso, com uma expressão visivelmente exausta, solene e contemplativa. Seu olhar distante e sério traduz a angústia interior do monarca — o peso da culpa por ter usurpado o trono de Ricardo II e a constante preocupação com as rebeliões e com o futuro de seu filho, o Príncipe Hal.

2. Símbolos de Poder e Magestade

• Trajes Régios: O rei veste túnicas luxuosas em tom vermelho-vinho/bordô, ricas em bordados dourados, com acabamento em pele na capa, reforçando sua dignidade real.

• A Coroa e o Cetro: Ele carrega os símbolos do poder absoluto, mas a forma firme com que segura o cetro sugere que o trono precisa ser mantido à força, sob constante ameaça.

3. O Palco Teatral (Estilo Elizabetano)

O ambiente recria uma encenação em um teatro clássico de época (lembrando o famoso The Globe Theatre):

• Cenário de Madeira: O chão de tábuas largas e a estrutura de madeira ao fundo remetem diretamente ao teatro da Inglaterra do século XVI/XVII.

• Tapeçarias e Arquitetura: Ao fundo, tapeçarias medievais e arcos góticos trazem a atmosfera da corte inglesa, dividindo o espaço entre a solenidade do palácio e a representação artística.

4. Os Cortesãos e a Atmosfera de Tensão

Às sombras no plano de fundo, nobres e conselheiros observam o rei em silêncio. A iluminação dramática — com sombras acentuadas e foco no monarca — enfatiza o isolamento de quem governa e a atmosfera de conspiração e vigilância política que marca toda a peça.